Почему опера — не мюзикл, или «Две королевы» из Иркутска в Москве

На фестиваль «Видеть музыку» привезли иркутскую постановку «Две королевы». Спектакль был показан на сцене театра им. Н. Сац 22 октября 2019 года.

Иркутск, находящийся в 4200 км и 5 часовых поясах от Москвы, посылает участников на фестиваль «Видеть музыку» не в первый раз, а уж в судьбе спектакля «Две королевы» роль этого мероприятия была и вовсе решающей. Именно по итогам самого первого фестиваля Иркутский областной музыкальный театр им. Загурского, привозивший тогда постановку «Анна и адмирал», получил грант Министерства культуры РФ в размере 18 миллионов рублей, на который и поставили «Две королевы».

Это был самый дорогостоящий проект в истории театра (обычно стоимость спектакля в здесь укладывается в 7–8 млн рублей). Для него, помимо обычных расходов на постановку, существенно обновили световое и звуковое оборудование, приобрели музыкальные инструменты. Премьера в Иркутске прошла 13 декабря 2017 года, то есть раньше выхода одноименного британского кинофильма. Постановка вошла в лонг-лист фестиваля «Золотая маска» 2017-2018 г. Сам театр из Иркутска, созданный накануне войны, имеет в активе уже более чем три четверти века истории (75-й юбилей театр отпраздновал в 2016 году), ставит оперетты и мюзиклы, предоставляет сцену для концертных программ, развивает детские студии и является одним признанным региональных центров культурной жизни.

Нынешний спектакль «Две королевы», жанр которого мы пока не будем уточнять (вернемся к этому вопросу чуть позже, оставив пока формулировку из программки «современная опера») получился масштабным и стильным. 35 одних только музыкальных номеров, не считая разговорных диалогов, и общее время почти 3,5 часа – непростое испытание для современного слушателя, однако за счет эффектной визуальной составляющей и очень неоднородной музыкальной фактуры спектакль не кажется скучным. Скорее наоборот, есть некоторое избыточно эмоциональное давление на публику всеми доступными средствами сразу: психологически напряженный сюжет, довольно агрессивный саунд, массовые сцены, драки…

Спектакль делала команда местных и приглашенных специалистов. Музыку создал ростовский композитор Антон Светличный, либретто (по мотивам пьесы Людмилы Разумовской «Ваша сестра и пленница») написала выпускница ГИТИСа Анна Фекета, она же выступила режиссером-постановщиком, автор стихотворного текста песен – Лев Яковлев. Выбор темы о противостоянии Марии Стюарт и Елизаветы I для произведения под грифом «современная опера» сам по себе достаточно смелый, об этом, казалось бы, давно уже все сказали Шиллер и Доницетти, а также авторы многих других произведений мировой культуры – Цвейг, Бродский, Слонимский и пр.

Либретто не углубляет какую-то конкретную линию, не высвечивает отдельный трагический конфликт, а методично описывает биографию Марии, в чем-то исторично, в чем-то очень беллетризированно. Как и у Доницетти, есть встреча двух королев на сцене, хотя в реальности они никогда не встречались. Историческую загадку, является ли Мария мужеубийцей, либреттист решает однозначно положительно. С учетом пения в микрофоны и далеко не идеальной разборчивостью текста, нельзя утверждать, что простой зритель детально понимает все эти хитросплетения, скорее просто любуется картинкой и слушает музыку.

Музыку, кстати, несмотря на ее абсолютную эклектичность, а может, и наоборот, благодаря этому, следует отнести к сильным сторонам постановки. Композитор разумно вплетает ренессансные и кельтские мотивы в современную эстрадно-мюзикловую канву, использует приемы оркестровки в голливудской стилистике, заполняет паузы атмосферными шумовыми эффектами в духе стиля эмбиент. Работа, проделанная композитором, явно превышает уровень среднестатистического мюзикла, однако качество ее довольно неравномерное, и эта неравномерность – не в пользу вокальных номеров. Самыми интересными оказались оркестровые вставки, чуть послабее танцы и ансамбли, и еще слабее – песни, которые из-за простенькой, но громкой ритм-секции и минималистической мелодики было бы слишком смело называть ариями. Обширные речевые высказывания и диалоги актеров часто звучат над музыкой, самой по себе серьезной, достойной того, чтобы ее послушали. Композитор не допускает прямых заимствований, нет ощущения «где-то мы это уже слышали», что для современного музтеатра – редкость и большое достижение, но по духу он явно уважает Алексея Рыбникова, Александра Зацепина и отчасти Альфреда Шнитке.

Для дирижеров совмещение электронной и живой музыки, исполнения «здесь и сейчас» и записанных звуковых эффектов – всегда серьезный вызов. Дирижер Михаил Тарасов справился с этой задачей (если не считать некоторых чисто звукорежиссерских накладок и сложностей с балансом, от дирижера в этом случае мало зависящих) более чем достойно. Визуальное воплощение спектакля реализовано в ультрасовременном стиле (петербургский сценограф Олег Головко, художник по костюмам Евгения Шутина из Москвы и художник по свету Галина Мельник).

8-метровые раздвижные декорации из прозрачного пластика и металла, стильная мебель на стыке готики и хайтека, сложный свет – все это достойно уровня европейских сцен. В ту же стилистическую сторону намеренная «современность» некоторых модных приемов, например, мужчины (шуты и фавориты) в женских платьях. Не новый, но безотказно работающий прием – девочка с куклой (инфантильная душа Елизаветы? незаконная дочь? привет Анне Нетребко?) – для умиления зрителей и разрядки напряжения. Единственное принципиальное замечание можно сделать по цветовым решениям: если второй акт (акт Елизаветы) более разнообразен по цветам, то первый акт Марии практически полностью выдержан в «оттенках серого» (кроме красных платьев шутов, пародирующих Елизавету же), что, конечно, гиперсовременно и по-европейски, но несколько утомляет.

Спектакль насыщен массовыми сценами (балетмейстер Александра Журавлева, хормейстеры Наталья Ладыгина и Ульяна Чугуевская, постановщик боя Алексей Потапов). Общая характерная черта их постановки, единый «почерк» – массовка не двигается постоянно, как в обычном бродвейском мюзикле, а время от времени «застывает» в живые картины и пирамиды.

К сожалению, в данном случае довольно сложно написать какую-то подробную характеристику вокальной стороне постановки. Проблемы с балансом подзвучки и настройкой микрофонов, наверное, нормальны для гастрольного выступления в чужом зале, но оценивать вокал из-за них довольно затруднительно. В целом, артисты вокализировали где-то на стыке жанров, между мюзиклом, опереттой, эстрадой и актерским пением в драматическом театре. Из состава исполнителей отметим лучшие работы: Александра Гаращук (Мария Стюарт), Егор Кириленко (Дарнлей), Гейрат Шабанов (Босуэл), Анна Рыбникова (Елизавета).

И вот в этом месте нашей статьи уместно будет обещанное размышление по поводу жанров. Официальное наименование увиденного нами спектакля, напомним, «современная опера». Обычно под этим термином сейчас понимается нечто, вроде произведений Сергея Невского, Бориса Филановского и других их единомышленников, западных и отечественных, – атонально-звукоимитационная партитура плюс шоковый перформанс. К этому направлению «Две королевы» не имеют вообще никакого отношения, равно как и к традиционной опере, предполагающей пение без микрофонов и достаточно строгую, выверенную вокализацию. Является ли произведение мюзиклом – тоже большой вопрос, по преобладающей музыкальной стилистике, возможно, и да. Но мюзикл тоже предполагает очень тщательное отношение к вокалу, в нем от артиста требуется не просто поставленный эстрадно-джазовый голос, с точным интонированием, но и чувство ритма, хорошая дикция, актерское мастерство, пластика и хореография. А главное, общий посыл мюзикла другой – это бодрое, легкое и позитивное действо, это шоу, задача которого – так или иначе развлекать, а не грузить отрицательными эмоциями, вспоминаниями учебника истории и прочими мыслительными усилиями. Еще в большей мере «легким жанром» является оперетта, хотя ее и поют под полноценный симфонический оркестр…

Мне возразят, а как же кино- и театральные мюзиклы советского периода, где «актерское пение» тогдашних звезд было хотя и «душевным», но очень небезупречным, а возможности звукозаписывающей технологии еще не позволяли это исправлять. Но во-первых, на то они и звезды, и во-вторых, времена давно изменились. И что позволено какой-нибудь Рине Зеленой или Владимиру Басову, не позволено рядовому современному артисту, у которого гораздо больше технических возможностей для подготовки, обучения, приобретения собственного слушательского опыта. Весь этот жанр актерского пения, имеющий по сей день у нас немало поклонников, к коим я, увы, категорически не отношусь, появился вынужденно, от бедности и как издержки «железного занавеса» (хотя и на Западе в 70-80-е годы фальшивое пение в мюзикле случалось, но были и безупречные образцы). Возможно, ниша эта актуальна у нас в стране и по сей день, но правомерно ли адресованное туда произведение называть оперой? Вопрос, по крайней мере, после данного спектакля остался открытым.

Еще интереснее другое, обязательно ли сегодня постановка нового произведения, чтобы иметь успех, должна быть в значительной степени «мультижанровой»? Пока ответ, скорее, да. По-другому современный массовый зритель не поймет и не воспримет. А значит, все лабораторные поиски «современной оперы» в чистом виде – искусственно выдуманная задача, и никакой современной оперы нет и быть не может. Есть опера, обыкновенная. Есть кросс-жанровые театральные представления, в том числе и весьма неплохие, такие как представленные на московском фестивале «Две королевы» из Иркутска.

Ну и пользу проведения фестивалей такие серьезные постановки, которых не было бы, не будь фестиваля, показывают на деле. Фестиваль «Видеть музыку» тем самым подтвердил свое значение для развития регионального театра.

Фото предоставлены пресс-службой фестиваля

Тип
Раздел
Театры и фестивали
Автор

реклама